名人推薦：藝術開開門．高素寬的藝術生活／高素寬

國立臺灣藝術大學設計學院院長／傅銘傳

藝評家、策展人／謝佩霓

藝術家／倪瑞宏

媒介即是訊息，看畫的第一步是留意材料

不同的表面會以不同的方式呈現材料，創造出質感。例如粉彩藝術家喜歡砂紙，它會以最賞心悅目的風格呈現粉蠟筆。

美國抽象主義畫家佛蘭肯瑟勒（Helen Frankenthaler）以她的「色面繪畫」（color field painting）而聞名，她曾使用粗糙的畫布，讓顏料的油沉入材料中，留下原始色素布滿表面。

每位藝術家在創作時會做出無數個決定，而每個決定都會構成最終成品的內容與外觀。

研究作品的第一步是留意它的表面，這樣會讓你更了解它的外觀與感受是用什麼東西構成的。藝術家選擇了哪一種表面？為什麼？它對圖像與處理方式有什麼影響？

你可能聽過加拿大哲學家麥克魯漢（Marshall McLuhan）的名言：「媒介即是訊息。」這句話經過了大幅簡化，然而它對我們談論的主題有一個意義：藝術家選擇的媒材，會決定他所訴說的訊息。事實上，媒材是訊息中不可分割的層面。每一種媒材都會傳達不同的訊息。

所以這些選擇既不是意外，也不是無關緊要。如果要完整欣賞視覺藝術，除了藝術家的性別、國籍、年代與文化等其他因素，也要考慮到媒材與表面。

現在來談談覆蓋在底部或表面上的材料。我們能夠使用哪些材料來創作二維藝術呢？

種類多到數不清：墨水、蠟筆、粉彩（軟粉彩與油性粉彩）、水彩、水粉、廣告顏料、油彩、壓克力顏料、鉛筆、麥克筆、炭筆、石墨、布料⋯⋯。

有些材料適合素描、有些則適合繪畫，但大部分藝術家其實既會素描也會繪畫。

將材料塗在表面上的工具，也有很多種。筆刷是最常見的，但藝術家也會使用其他許多方法，將顏料與其他物質塗在表面上，例如：破布、海綿、手指、模板、噴槍等。有些藝術家甚至將顏料滴、灑、抹、噴、刻、倒、扔在表面上。

有些人既整潔又嚴謹，喜歡能留下乾淨痕跡的媒材，如鋼筆與鉛筆。有些人則是藉由更有玩心的方式來找尋自己的意義，他們喜歡用更直接（雜亂）的方式來覆蓋表面。

要怎麼做是藝術家的選擇，而選擇就是訊息的本質所在。老實說，藝術無奇不有，創作的方法不只一種。



素描像詩句，繪畫是小說

現在我們來談談素描與繪畫，以及兩者之間的差異。在Dictionary.com線上辭典中，素描的定義通常是：「用鉛筆、鋼筆或蠟筆（而不是顏料）繪製的圖，尤其是黑白的。」

繪畫的定義則為：「在圖中使用顏料作為塗料或裝飾的過程。」

這些定義對於這兩種藝術形式來說是很外行的概念。事實上，藝術家會在一件作品中交互素描與繪畫。他們在創作素描和／或繪畫時，會留下痕跡、畫線與填滿形狀。

大家普遍認為素描是比較簡潔的型態，就像寫作中的詩句；而繪畫比__較複雜，就像故事或小說。

然而素描可能很複雜，而繪畫也可能很簡潔。素描可能是彩色的，而繪畫也可能是黑白的。它們都可能有線條與形狀。你可以用顏料來素描，也可以用蠟筆與其他素描材料來繪畫。

或許這種區別方式根本沒什麼差別。創作二維作品的藝術家，口袋都有許多工具可用。

他們可以素描、繪畫、黏貼、印刷、剪裁、拍照，或者任意結合這些方法。有時這些結合方式是刻意的；有時則是意外或實驗出來的。

這些二維藝術作品中，有些顯然是平的，有些則利用透視來創造深度的錯覺。

有些作品營造出的深度較淺，就像立體派作品，明明是由好幾個平面構成，卻描繪出空間關係。

物件的外觀是平的，就像歪斜疊在一起的撲克牌，請注意格里斯在此處的視角──往下看著靜物，這是許多立體派作品的特色。



抽象──別多想，看就好

抽象是現代人非常熟悉的東西，但它在視覺藝術領域中是非常新的概念。它到底是什麼？

抽象是一種排除實物參考的過程（就連非立體也算，例如天空）。如果一幅畫暗示一種風景，卻不是真的把風景畫下來，那它就會被視為半抽象。就算你沒看到天空本身，抽象畫家還是會暗示距離概念，或是空氣、立體與線條，似乎傳達了某個東西的印象，但你不必為它命名。藝術家或許將這張畫命名為《雨天》，但隱喻性多於描述性。

還記得我怎麼說明莫內與他的睡蓮嗎？我說他雖然動手畫睡蓮，但真正在畫的是光線。光線是抽象的。

莫內將作品命名為《睡蓮》（Les Nymphéas），藉此告訴你他在畫睡蓮，但你看見了什麼？睡蓮（也就是物件）消失在光線中。你看見色彩、飽和、強度、質感。全是抽象的東西。

請記住，每件藝術作品起初都是抽象的。最先畫出來的線條與顏色，還沒有組成與實物相似的東西。我們剛開始都是抽象藝術家。

唯一的差別在於，半抽象藝術家或寫實主義者邁向下一站，而抽象藝術家選擇留下來，拒絕明辨事物，只是以更加優雅或刻意的方式，留下精巧的痕跡。

無論作品最後是純抽象、半抽象或寫實主義，抽象元素都存在其中。無論作品最後採取哪個形式，你都要尋找這些元素。

在寫實中尋找抽象，也在抽象中尋找寫實吧！或許你會發現，普遍的元素比個別的成品還重要。

純抽象是受到解放、也解放人心的藝術形式。它帶領我們從具體邁向本質，從字面邁向隱喻。當藝術家意識到自己可以用抽象方法作畫、第一站有可能就是終點站，這種感覺很振奮人心。

繪製抽象畫──也就是不可見的事物，需要極大的想像力與勇氣。如今我們接受抽象，覺得它是完全合理的藝術形式，甚至還偏愛它，但當它首次問世時，絕對是一種褻瀆。

如今的藝術家，可以自由選擇要當寫實主義者、半抽象藝術家，或者抽象藝術家。他們有完全的自由意志（至少在西方國家），可以用自己偏愛的方式與形式，創作藝術作品。



沒有光線，我們什麼都看不見

光線是藝術家必須應付的頭號現實。它是讓所有事物都可見的天然作用，而「照明」是指人工的光源。畫家必須適當安排這兩者，通常還會選擇或設置他們最偏好的條件。

出外工作並描繪光線的藝術家，叫做外光派畫家；這是印象派畫家的專長之一。

當你在看一幅畫時，請試著想像藝術家的光源是什麼？位置在哪裡？你可以藉由研究陰影來尋找光源。

陰影是指有東西擋在光源前面所產生的黑暗區域或形狀。假如陰影位於右邊，你就知道光線從左邊來。

照相機會運用黑白底片拍出黑暗與明亮的區域──其實這也是照相機唯一的功能。假如照相機準確的將明暗拍攝下來，會發生什麼事？這時它就會創造出物件的外觀（也就是三維形式）。

我通常會給學生一項作業，請他們拍一張黑白照片，然後將它上下顛倒。我會請他們重現明暗的形狀與強度。他們會模仿照片的明暗光譜，從最亮的光線：白色，到最暗的陰影：黑色。這個明暗的範圍就叫做色域。

一張畫的色域可長可短。長色域（從非常亮的光線到非常暗的陰影）會產生比較戲劇性的效果，而短色域是一組極相近中間色調的集合，則會產生比較曖昧不明的感覺。不要搞混了，這裡還沒有談到色彩，只談光線的變化。

畫家可以在色相中添加白色，藉此重現一個顏色的諸多陰影。色相就是色彩──藍色、紅色、紫色等。色相的亮度叫做明度。請記住，畫家必須手動表現明度，不像照相機是自動表現明度。畫家有意識，而照相機無意識，因此畫家有更多自由度去改變東西。

好啦，回來談光線。學生們會照著上下顛倒的照片畫出明暗，當他們把紙張轉過來時，便驚訝的發現，明暗的形狀奇蹟般的創造出一個物件。這是非常重要的一課。

其實，藝術家並沒有創造任何東西。他們沒有創造出樹木或人臉，只有畫出色相（色彩）與明度（明暗）、形狀、線條與質感。明度、形狀、質感與線條創造出物件的錯覺。錯覺的定義就是騙人的外觀──它根本就不在那裡！

當你閱讀藝術史，並且穿梭於美術館，觀看過去幾百年的作品，你會發現繪畫已經「擺脫陰影」。

它們起初很暗，但時代越靠近現在就越亮。你可能會將這個事實歸因於以前沒有電燈，而在室內創作的畫室繪畫或許是如此沒錯。

但為什麼藝術家沒想到要去戶外畫光線？白天太陽一直都在，藝術家跟我們一樣能看到太陽。但以前的繪畫還是明顯比較暗。為什麼？

在某種意義上，你可以把藝術史視為「從黑暗邁向光明的進展過程」，一種意識的演變。黑暗不只是視覺上的；它代表的是缺乏意識。科學發現讓人類更加理解自己居住的世界，他們真的是大開眼界，變得能夠「看見光明」。

當印象派畫家領悟到自己不必畫被光線照明的物件，而是在畫光線本身，我們就真正踏入現代了。

當然，這條路是許多有遠見的印象主義先驅，花了好幾步才走完的──莫內、馬奈（Édouard Manet）、雷諾瓦（Pierre-Auguste Renoir）、塞尚（Paul Cézanne），以及發現燭光的卡拉瓦喬（Caravaggio）、看見空氣的透納（J. M. W. Turner）⋯⋯。

既然我們已經稍微討論過光線，那麼下次在分析畫作時，就可以試著觀察以前的藝術家，是怎麼畫明亮的物件以及光線本身。光線就是一切！

你也應該留意藝術家發展出許多描繪陰影的方法。有個名詞叫做「描影」。藝術家有許多方式可以表達陰影，既有眾多較暗的明度可選，也有各種「線性紋理」的應用。這就是痕跡創作（mark-making）的一種。

這些方法包括普遍使用的交叉影線：以交叉痕跡形成圖案，描繪出陰影區域；點畫法：利用非常緊密的圓點來表現陰影，稀疏的圓點看起來就會比較亮；塗鴉：一種運用細小擦痕的技巧。

在觀看藝術時可以留意陰影這件事，還滿有趣的。藝術家怎麼表現它們？他怎麼做出明暗之間的對比？明亮與黑暗是用不同的質感來處理嗎？



看雕塑品，不要站著不動！

關於繪畫我聊了很多，現在來聊聊雕塑吧。在繪畫中，藝術家是在平面上作畫，可能還會創造出深度的錯覺；而雕塑，藝術家是用實物創作。因此雕塑是360 度的，雕塑家必須從所有角度來想像它的作品。

雕塑家可能會在作品周圍漫步，或者（假如作品夠小的話）把它放在轉盤（或其他裝置）上旋轉。這種過程算是一段邏輯之旅。

許多材料都可以用來製作雕塑，軟硬皆有。用土製成的黏土，是很棒又很萬用的媒材，因為它可以用來增減元素。這裡多加一團，那裡削掉一塊；它應該是對藝術家最友善的媒材之一。

不過黏土也有難處理的地方。它必須加熱才會變硬、變堅固；大件作品必須挖空，才能承受窯內的壓力；而且用來替表面上色與增添質感的釉料，通常很難預測其效果。黏土還非常易碎。

接著是玻璃，另一種神奇的材料。玻璃就跟黏土一樣，需要加熱才能成形；吹製玻璃在小熔爐內加熱，火焰加工的作品用火炬加熱，鑄製玻璃（熔解的玻璃或溫的玻璃）則用窯加熱。

這牽涉到高度的技術，藝術家必須記下複雜的公式，才能加熱與冷卻玻璃作品。萬一災難降臨，費時數週或數月努力製作的作品，可能瞬間就毀了，原因包括計算錯誤、用了不相容的玻璃，或者冷卻時間不恰當、不充分。

某種程度上，玻璃可以重新加熱與加工，但挑戰性很高。過熱可能導致玻璃固化並失去光澤。

再來是所有堅硬的媒材：大理石、木材、金屬等，每一種都有自己獨特的問題。大理石是「減法媒材」──藝術家把不要的部分切掉，而且在大多數情況下，都無法把切掉的部分補回去。

至於木材，雖然可能用加的（木材可以膠合、層積、集成），但它也有棘手的一面。身為有機材料，它有必須考慮的弱點、木紋與瑕疵，而且有時甚至在創作途中才冒出來。

一般來說，藝術家必須尊敬材料的特性，並且與它合作，甚至讓材料帶頭為作品定調。有時這樣行得通，有時卻不行。有次我用木材雕了一尊小佛像，而木節剛好出現在祂的某隻眼睛。但意想不到的瑕疵也同樣會經常出現。

雕塑家可以（而且經常）組合材料以達到極佳的效果。而且有一整個分支的雕塑流派，是用回收材料、撿到的物件，以及各種新玩意兒與商品構成的。這種藝術性的特點之一，就是能夠重組本來被棄若敝屣的東西，並賦予新生。

從生活中丟棄的舊垃圾看出美感、並讓它重生為藝術，令許多藝術家為之著迷。

當你看雕塑時，務必多繞個幾圈，從每個視點檢視它。這就是這個藝術形式的樂趣。這件作品好看嗎？每個角度都很有趣嗎？留意雕塑家使用的材料，並思考這件作品為什麼要選擇這種媒材。

如果使用其他媒材會比較好嗎？它的創作過程是加法（添加零散的材料，把作品建造出來）還是減法（切掉某塊材料的部分，將它變成作品）？

關於後者這個減法模式，我之前已經提過了，而且還有其他藝術家跟我做一樣的事；這種感覺就像雕塑早已存在於木材、大理石或其他材料裡頭，而藝術家的角色就是揭曉它、將它取出來。

媒介即是訊息，看畫的第一步是留意材料

不同的表面會以不同的方式呈現材料，創造出質感。例如粉彩藝術家喜歡砂紙，它會以最賞心悅目的風格呈現粉蠟筆。

美國抽象主義畫家佛蘭肯瑟勒（Helen Frankenthaler）以她的「色面繪畫」（color field painting）而聞名，她曾使用粗糙的畫布，讓顏料的油沉入材料中，留下原始色素布滿表面。

每位藝術家在創作時會做出無數個決定，而每個決定都會構成最終成品的內容與外觀。

研究作品的第一步是留意它的表面，這樣會讓你更了解它的外觀與感受是用什麼東西構成的。藝術家選擇了哪一種表面？為什麼？...

想看懂藝術的願望，終於被滿足

藝術開開門．高素寬的藝術生活／高素寬

我曾經想，可不可以有這樣一本書，淺顯易懂、又兼具藝術家與觀眾的角度，來談論藝術？書中包含各種流派、媒材、主題，從平面到立體的「全方位」藝術導覽？

有太多藝術書，一般大眾看了沒有感覺，或是越看越不懂；就好像以色列與約旦交界的死海一樣，看似一座美麗的大門，卻怎麼樣也無法一探究竟，只能漂浮在海上，享受片面之美。

我是一位藝術家、藝術推廣者，也是教學者和策展者，更能明白每個角色會遇到的問題。現在，非常開心終於有這樣的一本書問世！

本書並不是無聊的藝術史，作者用白話方式，讓我們就像搭上了一輛藝術列車，領著讀者去想去的地方。使用方式有很多種，可以隨著本書前進，或者在某站稍作停留，試著找出自己最有興趣、疑惑的「答案」；你也可以跳躍至任何一個章節，甚至是直接跨越到當代藝術中，最少人提到的雕塑品（見第九章）。

不論是單純的藝術欣賞者、收藏家、創作者，或在藝術領域的學生，這本書都相當適合！

作者也是藝術家，她能幫助我們深入核心、解剖藝術；這個過程就好像在吃西瓜，外表頗硬，不得其門而入，但藉由作者提供的一手工具剖開後，我們便能拿著湯匙輕鬆品嘗，在身心靈飽食過癮後，回味無窮。

書中也嘗試替我們解開一些常見的疑問，例如：「美是什麼？藝術品一定要美嗎？」

這讓我想到著名美學大師蔣勳，常以一貫平易近人的語言，分享其對中西方藝術融會貫通的美學感悟；帶領我們透過視覺、聽覺、味覺、嗅覺、觸覺，重新發現生活中無所不在的美和感動。

然而，作者利用實際經驗，加上客觀分析真實藝術市場發生的情況，補足了過於感性、抽象的問題，她透澈、明白、直接的敘述了藝術是什麼。

藝術沒有標準答案，我們喜歡不一樣的東西，是因為每個人都不一樣。我們有不一樣的經驗，來自不同文化、環境，活在不同時代。

對於沒有相關經驗、喜歡藝術、想認識藝術的初學者，作者在第1部提出非常具體的方向（光線、色彩、線條），幫助我們了解、甚至能夠談論藝術，認識所有的基本技法，以及嘗試去分析它們。

那些「看不懂」的作品，作者也提出了比較淺顯的方式，例如問問自己：「它帶給我什麼感受？」我相信對於想了解藝術的人（無論是單純好奇或是專業收藏家），都提供了非常好的指引，不僅有深度，也能幫助我們思考。而若你是有一些藝術基礎的讀者，本書也有談論到深入的技巧與構圖，以及藝術的心理層面問題。

我真心推薦這本書，看完後就像自己學會了藝術降龍十八掌。往後去到美術館、博物館、畫展，你將會看到不同層次的風景，得到更深層的收穫。

想看懂藝術的願望，終於被滿足

藝術開開門．高素寬的藝術生活／高素寬

我曾經想，可不可以有這樣一本書，淺顯易懂、又兼具藝術家與觀眾的角度，來談論藝術？書中包含各種流派、媒材、主題，從平面到立體的「全方位」藝術導覽？

有太多藝術書，一般大眾看了沒有感覺，或是越看越不懂；就好像以色列與約旦交界的死海一樣，看似一座美麗的大門，卻怎麼樣也無法一探究竟，只能漂浮在海上，享受片面之美。

我是一位藝術家、藝術推廣者，也是教學者和策展者，更能明白每個角色會遇到的問題。現在，非常開心終於有這樣的一本書問世！

本書並...

前言

讓藝術變有趣的必修通識課

這本書的發想，起源於某一次我去參觀了紐約現代藝術博物館（Museum of Modern Art，簡稱MoMA）的畢卡索（Pablo Picasso）雕塑展。身為畢卡索迷，我非常期待這次展覽，希望能夠花很多時間好好參觀，並且有機會仔細研究我第一次看到的諸多作品。

可惜第二個願望無法達成，因為當時人潮洶湧，光是要靠近作品就很困難了。此外，幾乎每個人都在拿手機拍照。我焦急的等待人海散去，匆匆瞥了一眼作品，就得趕去下一件作品。

我不認為這些拍照狂真的有在好好「欣賞」展覽，而且，他們真的會再把照片拿出來看嗎？

人們對藝術的興趣無庸置疑，博物館絡繹不絕的參觀人數便可以證實這一點。美術館是許多人旅遊的必去景點，一流的建築師競相建造新的美術館，以及越來越富麗堂皇的場館擴建。

既然大眾的需求這麼高，我便開始思考，有沒有辦法讓藝術欣賞變得更加滿足與透徹？

身為藝術家，我自有一套看展覽的方法。當然我跟任何觀看者一樣，都是來享受作品的。但我同時也在狩獵。我在尋求共鳴，也就是作品想說給我聽的話，我會依照它們的提示，進一步探索關於自己的創作。

它可能是單一的顏色，或一組特定配色。一種質感、手法、構圖、形狀、材料⋯⋯什麼都有可能。我想找出的重點有兩個：這種細節為什麼會被我視為欣賞藝術的線索？哪裡可以應用於我自己的作品？

我去美術館不只是去參觀作品、或在下雨的午後找個地方避雨，而是去狩獵的。美術館是我生活中很重要的一部分，不只是打發時間的活動。它成了專屬於我的體驗。既然是個人體驗，就表示我這輩子都會記得它、想起它，並且真正從中得到收穫。這一天，我不但會學到一些藝術方面的知識，同時也更了解自己一點。

看展不用照單全收，想想「我」喜歡什麼？

我的方法是這樣：走進其中一間展覽室，大略掃視一下作品。我或許會讀文字介紹，但也可能不讀。雖然策展人通常都會把自己喜愛的作品描述得很精彩，但我通常喜歡親自對展覽下結論，而不是讓自己的想法被別人寫好。

把展覽室內所有作品都看一遍後，我可能會被其中一、兩件作品吸引，它們格外引起我的興趣。我也不知道為什麼。但我會照著直覺走，花費大部分的時間來研究這些作品。

我或許會看看介紹作品名稱與日期的牌子，但在此刻並非必要。接著我會走到下個展覽室，重複同樣的節奏，先稍微看一下、再聚焦於吸引我的作品。

你可能會想問，我為什麼只專注於展覽中少數幾件作品？原因是我不可能研究完所有作品。我寧可專心深入少數幾件，而不是匆匆瞥過。畢竟參觀一次展覽，我們能吸收的資訊就只有這麼多。當你想一次看完全部，就會變成走馬看花。而我使用的方式使觀展體驗變得更深入。

用這種方式逛完整個展覽後，我會順著原路回去，再看一次自己喜愛的作品。重新參觀時，我會試圖弄懂那些看過的作品，記下特別感興趣的作品有哪些特質，然後做出一些暫定的結論：我喜歡這個作品是因為_______________。這位藝術家達成了_______________。它對我而言的意義是_______________。諸如此類。

我獲得了正面的學習經驗，開開心心的離開美術館。這個過程花了我一、兩小時。我沒有試圖看完所有藝術品、讀過所有文字介紹，把五花八門的資訊全部塞進腦袋裡。我專心在自己喜愛的作品上，並且記下它們吸引我的原因；最重要的是，我記得我看過什麼。我的經驗是真實的。

事先聲明一下。我一輩子都在研究與創作藝術，這是我的專業。所以我手邊有許多工具可用，而一般的觀看者可沒有。但我也曾經帶著不是藝術家的人去參觀美術館，並向他們透露我的方法、與他們談論藝術。而我相信從那之後他們的體驗也更豐富了。

有了這故事，難怪這作品有「價值」

我寫這本書的目的，就是想帶你一起去逛美術館。我們會學習關於視覺藝術的字彙、觀看一些精選藝術作品；其中有許多東西你可能已經很熟悉，但這次我們要以藝術家的眼光來看待它們。

本書是在談藝術欣賞，而「欣賞」正是我們的目標。雖然你不一定要理解某件事物才能享受它，但我的理論是，你一旦理解它的話，享受的程度與深度都會大幅增加。我們會討論不同的品味與風格，以及它們為什麼這麼變化多端。時尚來得快去得也快，藝術也一樣。某些特定作品受人喜愛、歷久不衰，都是有原因的。我們會好好了解其中的奧祕。

我會給你一套藝術字彙，幫助你理解與討論視覺藝術。我還會給你工具，讓你解讀作品並搞懂它。我們會綜觀整段西洋視覺藝術史中的範例。為藝術奉獻的藝術家有數千名之多，但本書只會挑一百多個典範專心探討。我選擇他們的原因有很多，不一定是因為他們最棒或最有名，而是因為他們闡明了某種概念，幫助你充分理解這個主題的整體範疇。

我可能會強調他們的多才多藝，或他們是某個藝術新方向的先驅。他們或許是特定藝術的大師、某種技巧的模範，抑或他們的作品頗具代表性。他們因為某種原因成為藝術史中的重要人物，而我會告訴你理由是什麼。

我會提到、甚至討論一些藝術界巨匠，但他們的作品圖片不會出現於本書。我只能使用公共領域的照片，至於巨匠們近期的作品還是有版權的。感謝一些藝術家基金會給我公平使用作品的權利，畢竟這本書具有教育目的。

我希望這個非常粗略的概述，能夠鼓勵你更深入探索自己有興趣的主題或藝術家。我強烈建議你自己去查詢有版權的藝術家，並研究他們的作品。我也希望你找出其他觀點，因為我的觀點只是其中一種，而藝術這個主題非常大！

雖然某些大師之作引起了許多討論與掌聲，但也有許多被埋沒的優秀藝術家，他們的作品值得讚賞。本書收錄了其中幾件。我希望你利用從本書獲得的知識，發掘這些比較不知名、但同樣才華橫溢的藝術家，甚至收藏他們的作品。

欣賞藝術是很主觀的，觀點也很多元。你可能不同意我的評價，但我無所謂。如果我成功達成任務，即使你跟我喜好不同，也還是能學到你自己喜歡什麼。

我不會告訴你該喜歡什麼作品，但我會幫助你了解自己喜歡某件作品的原因。在本書中，你不但會學到藝術，也會更加了解自己。這很有意思的，我保證。

所以，跟我一起去欣賞藝術吧！不會有人來打擾我們。沒有人拿出手機拍照，也沒有人擋住你的視線。只有你跟我，還有藝術的樂趣。

前言

讓藝術變有趣的必修通識課

這本書的發想，起源於某一次我去參觀了紐約現代藝術博物館（Museum of Modern Art，簡稱MoMA）的畢卡索（Pablo Picasso）雕塑展。身為畢卡索迷，我非常期待這次展覽，希望能夠花很多時間好好參觀，並且有機會仔細研究我第一次看到的諸多作品。

可惜第二個願望無法達成，因為當時人潮洶湧，光是要靠近作品就很困難了。此外，幾乎每個人都在拿手機拍照。我焦急的等待人海散去，匆匆瞥了一眼作品，就得趕去下一件作品。

我不認為這些拍照狂真的有在好好「欣賞」展覽，而且，他們真的會再把照片拿出來看嗎...

推薦序：想看懂藝術的願望，終於被滿足／高素寬
引言：讓藝術變有趣的必修通識課

第1部 這麼多經典展覽，我該怎麼欣賞？
第一章 什麼是視覺藝術？別多想──先看就好
第二章 怎麼跟人聊畫？看光線、色彩、線條還有……

第2部 放了情感，任何人都能詮釋
第三章 畫作也有人格，你會看到自己
第四章 如何看門道？這些是具體標準

第3部 是觀察，也是思考
第五章 肖像畫，一定要畫得很像？
第六章 風景畫，主題不在地點，而是氣氛
第七章 靜物，好看、好懂、好裝飾
第八章 抽象畫，你沒看到的，才是重點
第九章 《沉思者》在想什麼？雕塑的魅力

第4部 什麼叫美？現在你能自己定義
第十章 破解藝術──讓我幫你開放眼界
第十一章 藝術的未來，更多束縛被打破
第十二章 藝術大哉問20（+1）
第十三章 影響世人最深的大師嘉言錄

附錄 藝術賞析通識課的必考題
致謝

推薦序：想看懂藝術的願望，終於被滿足／高素寬
引言：讓藝術變有趣的必修通識課

第1部 這麼多經典展覽，我該怎麼欣賞？
第一章 什麼是視覺藝術？別多想──先看就好
第二章 怎麼跟人聊畫？看光線、色彩、線條還有……

第2部 放了情感，任何人都能詮釋
第三章 畫作也有人格，你會看到自己
第四章 如何看門道？這些是具體標準

第3部 是觀察，也是思考
第五章 肖像畫，一定要畫得很像？
第六章 風景畫，主題不在地點，而是氣氛
第七章 靜物，好看、好懂、好裝飾
第八章 抽象畫，你沒看到的，才是重點
第九章 《沉思者》在...