名人推薦：知名文史工作者、節目主持人／謝哲青

臺大藝術史研究所教授／施靜菲

前臺北當代藝術館館長／石瑞仁

國立臺灣藝術大學設計學院院長／傅銘傳

安卓藝術創辦人／李政勇

立體派：另類觀點　1907～1914

拼貼派掌門畢卡索，方塊大護法布拉克

在義大利出生的法國詩人、劇作家、也是前衛藝術圈擁護者阿波里奈爾，其所下的文人註解，並不總是獲得青睞。事實上，他的才智反而有賣弄文采之嫌；他熱切的為現代藝術提供最即時的珠璣妙語，但結果經常讓人摸不著頭緒。不過，總有一些時候他的語言天賦，使他能夠直達少有人能觸及的藝術作品核心。

沒有人比阿波里奈爾對立體派的觀察更為精闢，這項藝術風潮，實在讓人難以理解。當阿波里奈爾聊到他的朋友畢卡索，也就是這項藝術風潮的共同發起人，他說：「畢卡索就像外科醫生解剖屍體那樣研究物體。」而這正是立體派的核心精神：針對一個主題，務求詳盡的觀察、分析與解構。

《亞維儂少女》，畢卡索

作品特色：驅邪之作，向塞尚的幾何觀念致敬。

這種創作方法，連激進的阿波里奈爾都得花一點時間適應。1907年，他在畢卡索畫室內和這樣的新畫風初次見面。畢卡索邀這位詩人，看看他正在進行的最新畫作，為了它，畢卡索已經畫了上百張草圖。即將完稿的這幅畫集合了各家藝術的影響，並呈現畢卡索所堅持重現──自印象主義以來即遭摒棄──的輪廓線條。當畢卡索自豪的將最新畫作《亞維儂少女》，展示給他所信任的朋友看時，阿波里奈爾卻以驚愕與困惑回應。在這位作家眼前的是5個赤裸的女人，站在約2.5公尺見方的巨大畫布上瞪著他瞧。她們粗略勾勒的身形以各種棕色、藍色、與粉紅色系的尖銳線條組成，碎裂的圖像有如一面碎鏡。阿波里奈爾認為，畢卡索的藝術生涯也將如那面鏡子。他實在搞不懂，為什麼畢卡索的繪畫，會從備受收藏家與藝評家愛戴的優雅人物畫，趨向如此原始而嚴肅的風格。

這答案或多或少和畢卡索輸不起的個性有關。野獸派畫家馬諦斯，於1906年發表了《生之喜》，這位畢卡索的心頭大患，果真成為當時最受矚目的藝術家，畢卡索因此深感威脅。另外，1907年初的塞尚紀念展，也給了畢卡索不少刺激，這場展覽使他決心尊崇艾克斯大師的路徑，持續探索各種觀視方式的呈現。

幽閉恐懼？你看懂大師了

就這點來說，《亞維儂少女》的確發揮了驚人的效果。他從塞尚的概念出發，將這幅畫直接推到新的藝術風潮。畫中幾乎不見任何空間感。5個女子以平面的輪廓呈現，她們的身軀簡化為各式三角形與鑽石形狀，幾乎就像從橘紅色紙上剪下的。所有細節皆化繁為簡：無論是胸部、鼻子、嘴巴、或手臂，都是以1、2個小小的三角線條所組成（就像塞尚描繪田園的方法）。畫面中完全不見擬真的意圖。在這些令人毛骨悚然的群像中，右側是2個以非洲面具呈現頭部的女子，最左側女子則化為古埃及雕像，中間2位看起來像風格化的漫畫人物。所有的臉部特徵經多重角度重新組合，橢圓的雙眼因此不對稱，嘴巴還顯得歪斜。

畢卡索戲劇性的縮短透視，帶給觀者幽閉恐懼的感受。在這幅畫裡，我們感受不到傳統遠近法中影像漸次退向遠方的視覺效果；相反的，這些女子就像3D電影裡截取的畫面，生氣勃勃的從畫布躍出。而這才是畫家的真正意圖。這些女子事實上，是為了尋歡客而魚貫列隊、任君挑選的應召女。畫作名稱裡的亞維儂，指的其實是西班牙巴塞隆納的某處紅燈區（而不是風景如畫的南法小鎮）。女子的腳邊擺放了一盆熟成的水果，暗示待價而沽的人性歡愉。

畢卡索稱這幅畫為「驅邪之作」。這麼說的部分原因在於，畢卡索在《亞維儂少女》中，抹除了個人過去的藝術觀，呈現更大膽的、新的創作方向。另一原因來自畫中的訊息，強烈透露與娼妓共度春宵的快意，所換來的危險代價。他的朋友曾因這份快意的誘惑，付了2次代價：一次用錢買單，接著是以自己的性命交換。這是針對性病的致命危險，所提出的沉重警告，因為性病已在世紀末的波西米亞巴黎藝術圈中，猖獗蔓延（馬奈和高更皆死於性病）。

畢卡索在早期的草圖中，原本設定5名娼妓外加2名男子的7人組；其中一名男子為船員（作為恩客），另一名是手持頭蓋骨的醫學院學生（作為死亡象徵）。畢卡索原來或許想要畫的，是幅較有警世意味的圖，藉以展示「罪惡的代價」。但他發現移去構圖中的敘事成分，卻更能增添視覺張力。

差勁的藝術家拷貝，偉大的藝術家剽竊

畢卡索除了與馬諦斯較勁、將塞尚的作品加以進化，他還大肆搜索藝術史名錄以找尋靈感。他有句名言是這樣說的：「差勁的藝術家拷貝，偉大的藝術家剽竊。」這種藝術創作方法，在今天我們會稱它為「後現代」。但當我們將1907年這幅立體派原型，和畢卡索曾經透徹研究的畫作──西班牙畫家葛雷柯所畫的文藝復興時期傑作《揭開啟示錄的第五封印》（The Opening of the Fifth Seal, 1608）做比較時，這句話就顯得非常簡潔有力。

《揭開啟示錄的第五封印》參考《啟示錄》中的聖經故事，描繪服侍神的人死後得到救贖。在畫面前景，高舉雙臂向天堂祈願的是施洗者聖約翰，他身上的藍色斗篷，和《亞維儂少女》的背景帷幕顏色相似。畢卡索對於這塊布料的安排，與葛雷柯以白色顏料、銳利線條和強烈陰影所製造的鮮明褶痕，極為相近。葛雷科畫作中央3位赤裸的女神，直接被畢卡索引用，就連其中一位以側臉面向其他人的安排，都是一樣的。而畫中濃烈黑暗、帶來啟示的天空，更不會被這位想要激發類似氛圍的年輕藝術家所錯過。

藝術史學家這世紀以來反覆思索《亞維儂少女》，試著找出它與另一幅畫的關聯並檢視其影響。

但阿波里奈爾無以得知21世紀的前衛藝術家，會將畢卡索這幅1907年的畫作，視為史上最重要的畫作之一，他也無法預料1年內，這幅畫會帶來立體派的誕生。這位詩人只能就眼前奇怪得讓人摸不著頭緒的畫加以判斷。其實他並不是唯一對這幅畫做出負面回應的人。馬諦斯也嘲笑畢卡索，後來更氣憤的懷疑這個西班牙小子，想要毀掉現代藝術。

因為聽了朋友的逆耳評論，雖然畢卡索認為這幅畫尚未完成，但索性不再對這幅畫加工。他捲起畫布收到畫室的角落，擱置長達17年，直到1924年，一位收藏家看都沒看就將它買下。不過，曼哈頓現代藝術博物館於1930年代後期買下它以前，這幅畫鮮少公開展示。《亞維儂少女》所受到的冷淡對待，連德漢都說：「也許有一天我們會發現，畢卡索在他的偉大畫布後吊死自己。」

和畢卡索同樣因為去了趟塞尚紀念展，而深受啟發與轉變創作方向的畫家布拉克，對這個西班牙小子的想法，也感到難以理解。不過，與其他那些轉身竊笑的訪客不同的是，布拉克不久後到了畢卡索的畫室，提供他個人的想法與協助。

這2位年輕藝術家緊密的創意夥伴關係，促成了立體派誕生。這段關係用畢卡索的話來說就像婚姻，又可比擬為「用繩索綁在一道的登山客」，有如進行一趟藝術奧迪賽之旅。這段夥伴關係定義了20世紀的視覺藝術，並在日後帶來拼裝式松木地板，和安哲勒波伊斯（Anglepoise）桌燈的現代主義美學。

特別的是，倘若少了企業家康維勒（Daniel-Henry Kahnweiler）的資助，這2人或許永遠無法為藝術帶來如此宏大的轉變。這位德國出生的商人，原先在倫敦擔任證券交易員，但他發現自己飽滿的靈魂不適合待在金融界。於是他搬到了巴黎試試藝術經紀人的職務，且在不久後就來到畢卡索的畫室參觀，看見了《亞維儂少女》。康維勒和其他人對這幅畫的反應不同，他認為它非常了不起，想要馬上買下它。但畢卡索不同意，於是康維勒給了畢卡索持續進行藝術探索所需的經費，並承諾會在作品完成後買下。布拉克在不久後加入畢卡索，這項交易內容進而涵括布拉克（雖然相較之下沒那麼慷慨）。於是兩人的財務有了後盾，這2位藝術家可以不再害怕被當時的審美觀拒絕，無所顧忌的開始進行創作。

《艾斯塔克的屋舍》，布拉克

作品特色：馬諦斯笑我「方塊」？那我就叫立體派。

塞尚是這2位藝術家的創作起點，他們皆曾仔細研究塞尚的創新技法。前野獸派畫家布拉克，經常在馬賽附近的艾斯塔克小鎮戶外寫生，因為這裡也曾經是塞尚最喜歡作畫的地方之一。他以塞尚的技法與他的綠、棕色調作畫，但布拉克的畫看起來非常不同。以《艾斯塔克的屋舍》（Houses at L’Estaque, 1908）為例，這幅畫是他在旅途中常出現的畫作類型。布拉克在畫中描繪一片滿布屋舍的山丘，零星點綴著樹木與叢林。他以放大攝影鏡頭的方式將特定區域拉近，並使田園的景深幾乎消失。一般在風景畫中所期待看見的天空或水平線，為了要符合整體感的要求而被捨棄。

這同樣也是塞尚的目標。但塞尚的做法會是將背景的主題帶向前景，布拉克則是將一切都拋向前景，就好像司機臨時踩煞車，乘客被拋向擋風玻璃。他的山丘屋舍層層疊疊的一個接著一個，但全都沒有窗子、大門、花園或煙囪。為求構圖焦點與彼此的關聯性，所有的細節都要犧牲掉。《艾斯塔克的屋舍》和塞尚的作品如出一轍，但更極致的將風景簡化為幾何圖形。豪華不動產變形為淺棕色方塊，上頭一層層的深棕色調暗示陰影和深度。偶然出現的綠色灌木叢和樹木，讓眼睛得以從單調交疊的長方體矩陣中暫時休息。

當布拉克以《艾斯塔克的屋舍》系列畫作進入1908年秋季沙龍展時，評審委員會先是拒絕，接著又加以譏笑一番。委員之一的馬諦斯語帶嘲諷的說：「布拉克剛送來了一幅用一堆方塊（cubes）組成的畫。」很諷刺的，馬諦斯這番評論的說話對象，正是當年用「野獸」一詞來形容馬諦斯早期作品的弗克賽勒。於是按照慣例，此名就此名留千古，立體派（Cubism）於焉誕生。

嗯，名字雖然已經有了，但是這股風潮還沒有真的開始。說來可惜，因為「立體派」這名詞讓已經夠複雜的藝術風潮更形複雜。「立體派」一詞或許能夠合理說明，布拉克於1908年間，受塞尚影響所創作的艾斯塔克系列作品，但它卻完全無法反映，布拉克和畢卡索這2位時代先驅，自那年秋天以來所創作的作品本質。這個詞彙事實上名不副實，因為立體派沒有立方體，甚至恰恰相反。

立體派企圖確立的是平面空間的畫布本質，而不是嘗試重現立體空間（如立方體）的錯覺。想畫出一個立方體，通常畫家需要從單一透視點觀察該物體，但是布拉克和畢卡索，卻是從所有可能的角度觀察物體。

以紙箱舉例來說，布拉克和畢卡索象徵式的將其打開拆解，還原成平面圖，使紙箱的所有面向一併展現。但是他們同時也企圖在畫布上，呈現平面圖無法展現的立體感。於是他們繞著紙箱進行想像的漫遊，從中篩選出最能表達紙箱的面向，接著再將這些「視點」或「碎片」，環環相扣鋪陳於平面圖上。其順序大致接近紙箱原有的立體形狀，因此仍然認得出是個箱子，只是攤平成為平面空間。他們相信如此一來，構圖將引發觀者對於盒子（或是任何物件）本質的更深感受。重點在於化思考為實際作為，刺激人們留意生活與我們所忽視的事物。

立體派：另類觀點　1907～1914

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推薦序一

現代藝術是觀察與思考的遊戲

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「在深入之前，潛水員永遠無法得知在深海底下，他會有怎樣的發現？」

──恩斯特

2013年1月到5月，在奧地利首都維也納市中心，阿爾貝蒂納博物館（Albertina）集結並公開展出恩斯特（Max Ernst, 1891-1976）180幅不同媒材所製作的繪畫、拼貼、雕塑等不同面向的藝術品。我花了一個下午，流連在現代藝術令人眼花撩亂的迷宮之中。就在同一天的上午，我和W拜訪藝術史博物館（Kunsthistorisches Museum），瀏覽拉斐爾、布魯哲爾、霍爾班、卡拉瓦喬、魯本斯、維梅爾等大師風華絕代的經典之作、哈布斯堡家族450年的精心蒐藏，W告訴我，這是維也納之行最動人的藝術之旅。

相對於上午文藝復興、巴洛克與洛可可式的美好，下午的恩斯特讓W覺得難以親近，無法忍受，在意志力勉強支持下，終於在15鐘後宣告敗陣，先行告退，留下我一個人繼續在荒謬怪異的現代藝術踽踽前行。即使在作品誕生的80年後，恩斯特仍然被大部分的民眾，貼上無法理解的標籤。

要了解恩斯特，就必須要回到他所經歷的時代。1918年，第一次世界大戰在死亡與瘟疫中落幕。大家開始思考，為什麼會有大屠殺？為什麼國家要做那些醜陋、討厭的政治宣傳？為了自身的非理性恩怨、民族仇恨、殖民地利益、勢力範圍，將數以百萬計的年輕人喪送在名為「戰爭」的碎肉機。

關於戰爭的答案具有普世價值，它就叫做「達達主義」（Dada）。從第一次大戰末期，達達主義者就以各種形式出現：音樂、文學、舞臺、繪畫、雕塑及其他可能的表現手法。但是，「達達」到底是什麼意思呢？這本身就是個有趣的問題。無論是法語字典中的搖木馬、嬰兒的牙牙學語，或是羅馬尼亞語中的肯定詞，其實，都代表了現代藝術的多元與可能性。

擁護達達主義的藝術家們，以挑釁的眼神，拒絕用藝術去掩飾戰爭所造成的傷害，在阿爾貝蒂納的展品中，我看到恩斯特留下反省戰爭的文字：

「達達主義是對於中產階級安逸的反叛與憤怒咆哮，是荒謬存在的唯一產物，是愚蠢戰爭穢行的結果……我們年輕人，彷彿從政客的謊言與戰爭的麻醉中甦醒過來……要發洩我們的不滿……。」

恩斯特在1920年代，曾經以叛經離道的實驗性開拓，引起世界騷動。長久以來，大家都認為藝術家是形象世界絕對主權的創作者，一如《創世記》中的上帝，用泥土捏塑亞當、夏娃，從此世界有了人類。現代主義的藝術家更像是混沌初開時，宣告「要有光，世界就有光」破壞性的創造。藝術家想法及概念，成了現代主義的構成核心，恩斯特就是主要旗手。

1921年在他的畫作《將臨的青春期》中，藝術家將一張處處可見的裸女相片，裁去了臉孔，只留下部分的頭髮，並且用刺穿奇怪球體的金屬長矛，取代了裸女左手，最後將她放在虛空荒蕪的背景中。恩斯特排除了理性、邏輯與形式上的和諧，將偶然視為表現的可能性，為我們留下一道晦澀的謎。

恩斯特之類的現代主義藝術家，大膽的挑戰布爾喬亞的理性與偽善，埋伏在某個不知名的角落，出其不意，隨時給我們意外的驚喜與驚嚇。現代藝術，不再是讓人醺醺然的自我感覺良好，它更像是觀察與思考的遊戲。

也正因為恩斯特、康丁斯基、葛羅培斯、曼．雷……等人的叛逆反骨，為世界開創出更多的可能，儘管無用，卻史無前例的受人關注。透過他們對形式的解構與分析，我們的視界有了嶄新的角度，設計，也脫離了形式上的意義，進入更複雜、卻也更有趣的場域。

從印象主義出發的這趟革命旅程，今天，我們還在路上。

推薦序二

大眾想看懂的小小願望，終於得到滿足

臺大藝術史研究所教授／施靜菲

這是一本能讓大家懷著放鬆的心情讀懂的藝術故事書，我不能說裡面完全沒有艱深的專有名詞，像是透視法（perspective）、明暗對照法（chiaroscuro），或是宣示畫家藝術哲理的抽象宣言，例如：愛爾蘭畫家培根（Francis Bacon, 1909-1992）所言：「繪畫是個人神經系統投射於畫布上」；但是透過作者生動連貫的敘事，有如古代說書人般鋪陳故事情節與高潮，讓人不知不覺忘我的沉浸於現代藝術的故事中，忽然幾個小時過去了都沒發現。

讀完本書後，你一定夠膽走進美術館，像是戴上哆啦A夢口袋裡拿出來的透視鏡，一眼看穿藝術家想要表達的真實、情感或概念。

作者所使用的魔法究竟是什麼？我個人也經常為了大學部的通識課程，或是對象為一般大眾的演講而傷腦筋，思考如何將艱深的學術研究，轉化成一般人可以聽懂、甚至引人入勝的藝術故事。但從PTT上的評論及教學評鑑數字看來，我還有許多努力的空間。我還希望可以喝下什麼魔法水，一覺醒來就能言善道，用最貼近大眾的語言，深入淺出的介紹藝術大師們的精彩作品，但想像總是比事實容易得多。因此，我很佩服這位英國國家廣播電臺（BBC）的藝術總編，為了將藝術介紹給一般大眾所做的種種努力，包括去上了單人脫口秀課程，並親身實驗脫口秀技法，如何讓人不再感覺現代藝術遙不可及。

從個人真實體驗出發的真誠文字，更是一針見血的點出，各個階段重要藝術家的追求與貢獻。而理性的分析之外，更關鍵的是，作者帶領我們用眼睛去看作品，讓每一幅作品彷彿躍然紙上。在描述莫內的傑作《日出印象》，他如是說：

「場景中紅橙色的破曉光輝，自海面勉力升起直至天際，就像週一症候群的員工在冬日的被窩裡掙扎著起床。火紅光球的亮度，似乎還不夠驅走籠罩著帆船的藍色霧氣，但卻足以讓早晨冷冽的海面，由紫色轉為溫暖的橙色，就像電暖爐上發熱的電管一樣……。」

如此善用生活周邊事物比喻的語言天分在書中處處可見，令人印象深刻甚至捧腹大笑（例如，要傳統藝術學院派畫家去描繪「下等的」主題，就像是要大導演史蒂芬史匹柏，接案拍婚禮攝影一樣）。

本書宛如幫我們開出一條路徑，讓人得以走近這些原本高高在上的藝術品，這不正是一般大眾的小小願望嗎？

推薦序一

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有了這故事，難怪這作品這麼貴

自宮布利希（E.H Gombrich）的經典之作《藝術的故事》（The Story of Art）到休斯（Robert Hughes）的《新世界的震撼》（The Shock of the New），涵蓋現代藝術的藝術史書籍不乏這類精湛作品。我無意而且也無從和這些鉅著一較高下；我只是想提供一點不一樣的：一本從個人角度出發，以說故事的方法呈現，資訊豐富的書。內容依年代從印象主義至當代藝術的故事（但由於篇幅限制，仍無法一一介紹參與各個藝術風潮的所有藝術家）。

我志在寫一本真實卻生動的書，而不是一本學術著作。裡頭沒有太多注解或冗長的來源出處，而且偶爾我還乘著想像力進入如印象主義畫家相遇的咖啡廳、或者畢卡索主辦的宴會等場景。這些畫面是根據其他人留下的文字紀錄（印象主義畫家的確曾聚集在某一家咖啡廳，而畢卡索也主辦過一場宴會），但其中一些偶然的對話細節則出自我的想像。

這本書的寫作靈感來自2009年，我在愛丁堡藝術節的一場單人脫口秀表演。當時我為衛報》（The Guardian）寫了一篇文章，研究單人脫口秀（stand-up comedy）技巧如何讓現代藝術更引人入勝，而不是讓人退避三舍。為了要證明我這個想法，我報名了一個單人脫口秀的課程，接著在愛丁堡前衛藝術節（Edinburg Fringe）做了一場名為《雙重藝術史》（Double Art History）的演出。結果似乎頗為成功：觀眾偶爾跟著開懷大笑、而且還參與演出，從節目尾聲讓觀眾參與的「成果驗收」表演看來，他們的確學了不少現代藝術。

不過，我倒是不會想再嘗試單人脫口秀了。我想以記者與傳播從業人員的身分，深入現代藝術的主題。作家大衛．華勒斯（David Foster Wallace）曾將散文寫作比擬為：服務業中一個具備合理智力的人，花時間代替其他人調查他們無暇顧及的事物。我希望某種角度來說，我也能為讀者提供這樣的服務。

過去10年來，我在奇異迷人的現代藝術世界中的工作經驗，使我受益不少。我擔任泰特美術館媒體部門總監有7年的時間，這期間我拜訪了世界各大美術館，也看了不少避開高觀光客流量、較不知名的收藏。我也曾拜訪藝術家的宅邸、瀏覽有錢人的私人收藏、參訪藝術品修復室、觀看價值數百萬美元的現代藝術拍賣會。我讓自己沉浸在現代藝術中，從最初的一無所知到現在的略有所知。我要學的還很多，但希望我所學與傳達的內容，能夠稍稍有助於你對現代藝術的了解與賞析。它對我來說已然是生命的無上享受。

有了這故事，難怪這作品這麼貴

自宮布利希（E.H Gombrich）的經典之作《藝術的故事》（The Story of Art）到休斯（Robert Hughes）的《新世界的震撼》（The Shock of the New），涵蓋現代藝術的藝術史書籍不乏這類精湛作品。我無意而且也無從和這些鉅著一較高下；我只是想提供一點不一樣的：一本從個人角度出發，以說故事的方法呈現，資訊豐富的書。內容依年代從印象主義至當代藝術的故事（但由於篇幅限制，仍無法一一介紹參與各個藝術風潮的所有藝術家）。

我志在寫一本真實卻生動的書，而不是一本學術著作。裡頭沒有太多注解或冗長的來...

編輯室報告 讓你笑著看完的豐富知識，只此一家
藝術地圖 現代藝術流派關係圖
推薦序一　現代藝術是觀察與思考的遊戲／謝哲青
推薦序二　大眾想看懂的小小願望，終於得到滿足／施靜菲
作者序 有了這故事，難怪這作品這麼貴
前言 我能讓你的現代美術館之旅變得很好玩

第一部
把下等藝術，變成上流畫作
畫家不教你美，只告訴你他們怎麼認知世界

第1章 1917年 《噴泉》
本來是來亂的，小便盆變成大師傑作
白瓷小便盆，藝術圈大風暴
先想好概念，再選擇媒材
從未公開展覽，卻最具影響力
「那是藝術嗎？」「呃～是。」

第2章 前印象主義 1820～1870
畫畫何必神聖，咱出門找「下等」主題
最後一批創作「像樣的藝術」的人
野餐、喝酒、走路，第一次當畫作主題
出門畫畫，從此改變畫家的創作方式
色彩明亮的「卡通水準」傑作
可攜式顏料，讓畫家到現場作畫
印象主義第一課：筆觸快速、有力
印象主義第二課：畫出未經修飾的平凡生活
非主流人數夠多，就夠主流
現在你不吸睛，之後他們後悔
漫遊者的快速反應力
表達生活「瞬間中的永恆」

第3章 印象主義 1870～1890
「印象」，藝評狠嘲諷，後來舉世追捧
首度展出就有印象──壞印象
強調光影，不重細節
大師之作，當年被譏像草圖
「沒頭沒尾、沒上沒下、沒前沒後。」
偉大畫家最需要的人──畫商
印象派早期最具代表性作品
從此藝術有了「產業」規模
像被雨水洗過，一片模糊就對了
光暈，光看就暈的朦朧感
向浮世繪學習一：戲劇化的透視法、不對稱構圖
向浮世繪學習二：高空俯視、對角線構圖製造動態感

第4章 表現主義、象徵主義、點描派 1880～1906
高更隱喻，秀拉寧靜，梵谷吶喊吧！
後印象主義是怎麼被「送作堆」的？
後印象主義發現了「想像力的視覺語言」
梵谷的扭曲線條，開啟了表現主義
「農民生活」階段，用色細膩但暗沉
畫風成熟階段：色彩、厚塗、光線扭曲
不只是畫，更像雕塑
扭曲的線條，後繼有人
高更愛用隱喻，象徵主義出場
打破用色規則，這傢伙想造反
主題很寫實，用色很反常
把想法畫成樹幹，有想像力才畫得出來
厭倦都會生活，到叢林裡畫原始人
秀拉的點描法，為畫布帶出光澤感
印象主義太潦草，秀拉要顏色排隊站好
選擇大畫布，給顏色空間發光
分割顏色讓紅色更紅、綠色更綠

第5章 眾人之父：塞尚 1839～1906
因為，他教世界上的人「怎麼看」
看了幾星期，給你一幅畫面
畫得跟照片一樣？我幹麼！
為什麼塞尚是畫壇巴哈？
你看見大自然，塞尚發現幾何結構
田園是長方形、房屋是立體方塊……
把垂直與水平線條藏進畫中

第6章 原始主義 1880～1930 野獸派：原始吶喊 1905～1910
原始：真摯、所以珍貴（而且真貴）
為什麼想回歸原始？
用色極誇張，效果極迷幻
裝潢師父半小時趕出來的
嫉妒，激出畢卡索的鬥志
非洲黑人頭，嚇出亞維儂少女
岔題：畢卡索愛盧梭
畫壇的蘇珊大嬸──盧梭
要畫得像個孩子，得花一輩子學習
羅丹哪裡好？哪裡不好？
再進化：不受拘束的真摯，怎麼表達？

第7章 立體派：另類觀點 1907～1914
拼貼派掌門畢卡索，方塊大護法布拉克
幽閉恐懼？你看懂大師了
差勁的藝術家拷貝，偉大的藝術家剽竊
怎麼看？由上往下、從下到上，兩側同步
我這輩子不畫抽象畫──畢卡索說
好吧！不是抽象畫，是「女孩」
壁紙、油布，又黏、又貼
於是有了安迪沃荷和氣球狗（黃色小鴨？）

第8章 未來主義 1909～1919
源自義大利、結合立體派、造就鑿岩機
印象主義讓藝術商業化，未來主義讓藝術泛政治
特徵：高速前進的動態感
「百感交集」：集合各種動作壓縮在同一時間
不碎裂、不陰沉，也是未來主義嗎？
歌頌機械與戰爭，召喚世界大戰

第9章 抽象畫：奧菲主義、藍騎士 1910～1914
觀賞畫作，卻得到聽交響樂的經驗
不斷省略細節，就剩下……
沒有故事，別想──看就好
畫出物體，反而看不見顏色的美
無主題音樂，無主題繪畫
「聽見」顏色的聲音
抽象畫：把音樂畫出來
用不協調的色調來「刺」觀者
觀賞時不要用腦去想，才能喚起超感官能力
不是為了「再現」看得見的世界

第二部
從簡約、非具象、原色方格，到超現實、抽象
把複雜思考，變簡約藝術

第10章 至上主義、構成主義 1915～1925
非具象藝術：現代設計元素的源頭
傳統藝術「有」主題，非具象藝術描繪「無」
從西歐藝術的「有」，到俄羅斯藝術的「無」
純粹的至上感受，意思是？
「看起來真酷」，意思是？
色彩和質地就是創作目的
顏色與形式是為了油彩，而不是為了複製自然
你看到什麼，就是什麼
畫布、顏料、以及木質框架，也是欣賞的重點
單色畫，終結（純觀賞的）中產階級藝術
「為人民服務」，設計師來了

第11章 新造型主義蒙德里安
原色方格：施洛德的家與聖羅蘭
抽象藝術家最擅長的是……
三原色、兩形狀、黑直線
原色方格：平面絕不重疊、色調絕不轉換
於是，建築與產品設計大量採用
施洛德之家，經典
聖羅蘭服裝，也有原色方格！
除了直線，什麼都不要

第12章 現代主義　1919～1933
包浩斯風格，為何如此迷人？
德國工藝美學，向英國取經的
創造「彰顯產品性格」的外在
摩天大樓的現代美學：形隨機能
以工業廠房展現現代美學
包浩斯精神：結合美術與工藝
包浩斯風格：簡約、品味，現代主義
初期的包浩斯，像個嬉皮社群
奠定風格：從直覺到紀律
目標：可以大量製造的藝術品
精緻簡約，終於可以大量生產
包浩斯建築群，就像立體的蒙德里安畫作
「巴塞隆納椅」，近百年前的設計，風行至今

第13章 達達主義　1916～1923
和「美」無關，我只想刺激你思考
達達需要一個「大家願意買單」的環境
達達的精神：反社會、反宗教、反藝術
如果理性帶來戰爭，我寧願荒謬
隨機法則，這種拼貼也算藝術
這是真的垃圾？這真的是垃圾？
和美學無關，我只想刺激你思考
蒙娜麗莎「她的翹臀真辣」

第14章 超現實主義達利與驚悚大師們
無意識、夢境怎麼畫？詭異的超現實
超現實：讓人感覺奇怪詭異的藝術
文學、戲劇、芭蕾舞劇……為何都在「超現實」？
誰是「超現實」？布魯東說了算
超現實最擅長：以聳動的情節，挑戰人心的邪惡
意識會連結，無意識才能組合不相關物件
不預設、讓作品自動產生
把夢境真實化
越日常平凡，越詭異恐怖
光射攝影：用光作的畫
女性藝術家到哪去了？
杜象，讓女性藝術家被看見
她畫的到底是真實？還是夢境？
「真實」的興趣，加上「奇特」的想像力

第15章 抽象表現主義的憂鬱英雄們
記住：古根漢、波洛克、羅斯科
歐洲超現實主義遇到紐約畫派
無法駕馭的情緒，只能用抽象表現
越無意識、越即興，越能表現內在的自我
滴畫技法：把顏料拌入砂子、玻璃和菸蒂，再一起潑灑
滴畫為何從150美元，變成1.4億美元？
乍看很愉悅，仔細看就開始不安
「女人」，為什麼是粗俗猙獰的野蠻人？
單色畫上的「拉鏈」──色域繪畫
色彩交會時會有朦朧感？這可是藝術家的成名特色！
平面的抽象：把複雜思想簡單呈現
立體的抽象：把簡單變複雜

第16章 包洛奇、安迪沃荷、李奇登斯坦
普普藝術「不需要像藝術」
英國愛丁堡的普普藝術種子
這次的拼貼重點是消費文化
普普精神：藝術無高低之分
日常生活充滿創作素材
畫作全白，請欣賞光影、人影與塵埃
抽象表現很冰冷，大眾文化有溫度
可口可樂瓶和商標，也是創作素材
流行的兩種解讀：是老梗，也是經典
遠看都一樣，近看每一個都有差異
成名的代價：失去自我認同
好生意就是好藝術
從漫畫發展出來的點描畫
不能穿的衣服、不能吃的蛋糕，搶著買？
「不需要看起來像藝術，才能成為藝術」

第17章 觀念藝術、弗拉克斯、貧窮主義、行為藝術　1952～
怎樣的觀念藝術算是好作品？
沒聲音的曲子，要你聽見更多
連聲音、氣味和觀眾，都拿來創作
丟掉畫架，裸女身體當筆刷
藉由「移除元素」而不是「增加元素」完成作品
貧窮藝術，就看你有沒有地方擺
對死兔子說話？能刺激你的感官，就是好作品
地景藝術：以戶外自然環境彰顯訴求
方塊舞：「演出」人性
公然拿槍路上散步，紀錄片都是假的！

第18章 極簡主義 看到什麼就是什麼
磚頭就是磚頭，喜不喜歡自己決定
不加工、不上色，看到什麼就是什麼
《無題》怎麼欣賞？觀眾自己想
最不突顯藝術家內在的藝術
地板雕塑？這不是踏腳墊嗎？
雕塑品只能垂直欣賞嗎？水平呢？
它就是你看到的，此外什麼也不是

第19章 後現代主義　1970～1989
影射、嘲諷，表象輕鬆寓意厚重
你看到的表象，與寓意通常相反
常用攝影作品討論認同問題
解讀後現代藝術，就像解謎推理
「為了搞怪而搞怪」？後現代沒這麼簡單
以商業宣傳手法，質疑商業的洗腦邏輯
看起來隨意，其實是精準執行

第20章 創業主義　1999～
是反叛？是媚俗？我兩者兼顧
經驗式藝術？
這「藝術」……算什麼「主義」？
藝術家懂了行銷之後……
大是大非太遙遠，個人生存最重要
當藝術家找上廣告公司
「展不驚人死不休」
經紀人與藝術家，共生共榮
名家經手，藝術品價值馬上漲十倍
一個自慰公仔，為什麼能以40億元售出？
把自己打造成名人，更快致富
當代作品通常不帶政治意涵，他是唯一例外
想大聲反對體制，就不能等官方授權
塗鴉：大眾喜愛的非法作品

附錄 各流派大師藝術主張一覽表
找到每個大師的「創新特點」，看懂大師作品就變得簡單了

編輯室報告 讓你笑著看完的豐富知識，只此一家
藝術地圖 現代藝術流派關係圖
推薦序一　現代藝術是觀察與思考的遊戲／謝哲青
推薦序二　大眾想看懂的小小願望，終於得到滿足／施靜菲
作者序 有了這故事，難怪這作品這麼貴
前言 我能讓你的現代美術館之旅變得很好玩

第一部
把下等藝術，變成上流畫作
畫家不教你美，只告訴你他們怎麼認知世界

第1章 1917年 《噴泉》
本來是來亂的，小便盆變成大師傑作
白瓷小便盆，藝術圈大風暴
先想好概念，再選擇媒材
從未公開展覽，卻最具影響力
「那是藝術嗎？」「呃～是。」

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